المدارس التشكيلية الفنية العالمية----

[نور]

●●°°●––( أزهـار الريـح )––●°°●●

للفنـان البريطانـي: جـون وليـام ووتـرهاوس





ظلت أعمال الفنان جون ووترهاوس تحظى بالشعبية والتفضيل دائماً، وقد تخصص في تصوير مشاهد من أساطير القرون الوسطى والعالم القديم..
وفي العام 1902 ظهرت هذه اللوحة الهامة ( أزهار الريح ) في مقدمة سلسلة من اللوحات التي تعالج فكرة جديدة تتمثل في تصوير فتيات في ملابس فضفاضة وهن يجمعن الأزهار في طبيعة مفتوحة..
ووترهاوس كان يحب الأزهار وهناك العديد من الدراسات النقدية المكرسة لتحليل هذه الظاهرة اعتماداً على تفاصيل بعض لوحاته.
ولد الفنان ووترهاوس في روما، وعندنا أتى إلى انجلترا درس في استديو والده - الفنان هو الآخر - ، ثم في أكاديمية الفنون الملكية.
تأثر بـ لورنس تاديما ورسم مشاهد من الحياة في إيطاليا حيث كان يقيم.
يغلب على لوحات ووترهاوس الطابع الكلاسيكي، لكنه مصنف بكونه منتمياً للأسلوب ما قبل الرافائيلي بسبب تركيزه على رسم النساء الجميلات وافتتانه بفكرة الأنوثة وتبنيه للاتجاه الواقعي في الرسم.
لوحته الجميلة ( أزهار الريح ) تمتيز برومانسيتها الفائقة ورقّة خطوطها وأناقة توزيع الألوان فيها.

[نور]

●●°°●––( صبـي وغليـون )––●°°●●

للفنـان الإسبـاني: بابلـو بيـكاسـو

أهمية هذه اللوحة تكمن في أنها اللوحة الأغلى مبيعاً في العالم حتى الآن؛ فقد ابتاعها في العام الماضي زبون مجهول بمبلغ 104 ملايين دولار في مزاد بنيويورك.
وقد كسرت هذه اللوحة الرقم القياسي السابق الذي سجلته لوحة فان غوج الشهيره ( دكتور غاشيه ) التي اشتراها مليونير ياباني بمبلغ 82 مليوناً ونصف المليون في العام 1990.
( صبي وغليون ) تنتمي للمرحلة الوردية، وقد رسمها بيكاسو في العام 1905 وعمره 24 عاماً، وتصور اللوحة صبياً باريسياً كان يتردد على مرسم بيكاسو في مونمارتر.. وفيها يبدو الصبي مرتدياً ملابس زرقاء ومطوقاً رأسه بباقة من الورد وممسكاً بيده اليسرى غليوناً..
وكان جون ويتني سفير الولايات المتحدة في بريطانيا قد اشترى اللوحة في عام 1950 بمبلغ 30 ألف دولار فقط.
يقول بعض النقاد أن اللوحة ترمز للغموض وجمال الشباب الذي أهّلها لأن تكون إحدى أكثر لوحات بيكاسو تقديراً واحتفاءً .. فيما يميل البعض الآخر إلى القول بأن السعر الذي بيعت له اللوحة له علاقة باسم الفنان أكثر من كونه اعترافاً بجدارة اللوحة أو أهميتها التاريخية.. إذ أن لبيكاسو لوحات أكثر أهمية لكنها لم تحقق حتى نصف هذا السعر عند بيعها.
وثمة من يجادل بأن اللوحة تحتوي على عناصر جمالية واضحة رغم أنها لا تنتمي للأسلوب التكعيبي الذي ابتكره بيكاسو وبرع فيه وحفظ له مكانة مميزة في تاريخ الفن التشكيلي العالمي.
بيكاسو له أربع لوحات هي من بين أغلى عشر لوحات في العالم، ويليه فن غوخ بثلاث.
وفي السنوات الأخيرة، أصبحت المتاحف الفنية الكبرى تبدي اهتماماً وحرصاً ملحوظين على اقتناء وشراء أشهر اللوحات الفنية، وأكثر المتاحف تفضّل الاحتفاظ بتلك اللوحات لأجل غير مسمى.

[نور]

●●°°●––( اتـصال الـذاكـرة )––●°°●●


للفنـان الإسبـاني: سلفـادور دالـي







كان سلفادور دالي في نظر بعض النقاد أعظم فنّاني العالم قاطبة، بينما ينظر إليه البعض الآخر باعتباره شخصاً معتوهاً ومهرجاً وغريب الأطوار.. ويشير بعض النقاد إلى أن دالي كان قد مات " معنوياً " وبالتحديد عندما توفيت زوجته الوفية وملهمته وتوأم روحه.. وفي سيرته وأعماله وأقواله العديدة نجده دائم الحديث عن غالا باعتبارها "المرأة التي تدعوني إلى السماء" ..
كان دالي بالإضافة إلى سورياليته المفرطة وحديثه المتضخم عن الذات.. فناناً متعدد المواهب؛ فهولم يكن يرسم اللوحات فقط وإنما كان نحاتاً وحفاراً بارعاً.. وكان إيراد اسمه أو توقيعه كافياً لإنعاش السوق واشتداد الطلب على السلع التي يشتغل على دعاياتها وملصقاتها..
من أشهر أعمال دالي لوحته المسماة ( اتصال الذاكرة ) التي أنجزها في العام 1931. بدأ دالي رسم هذه اللوحة بمنظر طبيعي لساحل البحر في مقاطعة كاتالونيا، ثم ضمّن الرسم مشاهد لثلاث ساعات جيب منصهرة على إحداها ذبابة، بالإضافة إلى ساعة رابعة يفترسها النمل، وفي وسط اللوحة وتحت إحدى الساعات المذابة يظهر معصم يد على هيئة وجه بشري مشوّه.
الفكرة التي أراد دالي إيصالها من خلال هذه اللوحة هي أن الزمن أقل صلابة مما يفترضه الناس عادة..
وكان دالي قد رسم هذه اللوحة اثر حلم رآه بعد أن تناول عشاءً خفيفاً من الجبنة الطرية، ولهذا السبب تبدو الساعة طرية لدرجة الذوبان.
هذه اللوحة أصبحت منذ نهاية ثلاثينيات القرن الماضي جزءاً من الثقافة الشعبية الأوروبية والغربية بعامة؛ حيث تم توظيفها في أعمال أدبية ومسرحية وسينمائية وإعلانية كثيرة.

[نور]

●●°°●––( الطـفـل البـاكـي )––●°°●●

للفنـان الإيطالـي: جيـوفانـي براغـوليـن





ربما تكون هذه اللوحة مألوفة للكثيرين.. وهي للفنان جيوفاني براغولين - واسمه الحقيقي برونو اماديو - الذي لا يعرف عنه سوى أنه عاش في فلورنسا ورسم سلسلة من اللوحات الفنية الجميلة لأطفال دامعي العيون تتراوح أعمارهم ما بين سن الثانية والثامنة.. تحت عنوان ( الطفل الباكي ).
هذه اللوحة بالذات هي أشهر لوحات المجموعة وتصوّر طفلاً ذا عينين واسعتين والدموع تنساب من على وجنتيه..
من الواضح أن هيئة الطفل تشعر الناظر بالحزن والشفقة وتلعب على وتر المشاعر الإنسانية بعمق..
لكن لهذه اللوحة قصة أخرى غريبة بعض الشيء؛ ففي العام 1985 نشرت جريدة بريطانية سلسلة من التحقيقات عن حوادث اندلاع نار غامضة كان البطل فيها هذه اللوحة بالذات..
كانت اللوحة ذات شعبية كبيرة في بريطانيا حيث كانت تُعلّق في البيوت والمكاتب باعتبار مضمونها الإنساني العميق، لكن الصحف ربطت بين اللوحة وبعض حوادث الحريق التي شهدتها بعض المنازل والتهمت فيها النيران كل شيء عدا تلك اللوحة..
وتواترت العديد من القصص التي تتحدث عن القوى الخارقة التي تتمتع بها اللوحة وعن الشؤم الذي تمثله، وكلما وقع حريق في مكان تشكل تلك اللوحة عنصراً فيه.. كلما أتت النيران على كل شيء وأحالت المكان إلى رماد.. وحده الطفل كان ينجو من الحريق في كل مرة ودون أن يلمسه أذى!
ولم تلبث الجريدة أن نظمت حملة عامة أحرقت فيها آلاف النسخ من هذه اللوحة، واستغل الناس الفرصة ليخلصوا بيوتهم من ذلك الضيف الصغير الخطير!
لكن القصة لم تنته عند هذا الحد، فقد أصابت لعنة الطفل الباكي الجريدة نفسها، ليس بسبب حريق وإنما بفعل الإضراب واسع النطاق الذي قام به عمالها ومحرروها وانتهى بطريقة عنيفة، مما دفع أصحاب الجريدة إلى التفكير جدياً في إغلاقها في نهاية الثمانينات.
ومن يومها أصبح كل من يعتبر الطفل البامي نذير شؤم وعلامة نحس.. عازفاً عن شراء أي منظر لطفل حزين ذي عينين واسعتين!
لكن ذلك كله لم يؤثر في الكثيرين ممن اعتادوا على رؤية اللوحة والإعجاب بفكرتها ومحتواها الإنساني، وأفضل دليل على ذلك أن اسم اللوحة تحول إلى عنوان لموقع الكتروني يضم نسخاً مكبرة من كافة أعمال براغولين التي رسمها تحت نفس العنوان.

[نور]

●●°°●––( تنسيق باللونين البني والأسود )––●°°●●

" بـورتريـه لأم الفنـان "

للفنـان الأمريكـي: جيمـس ويسـلر






هذه اللوحة الشهيرة لها اسم آخر أكثر اختصاراً هو " والدة ويسلر " ، وقد أصبحت أيقونة ترمز للفن الأمريكي بعد أن طافت على معظم متاحف العالم الكبيرة.
الفنان جيمس ويسلر ولد في أمريكا لكنه قضى سنوات من حياته في روسيا ولندن قبل أن يعود مرة أخرى إلى أمريكا مضظراً بعد وفاة والده بالكوليرا.
رسم ويسلر هذه اللوحة لأمه " آنــا "بعد أن انتقلت إلى بريطانيا للعيش معه في العام 1863 ، ومعروف عن ويسلر أنه من المدافعين الأقوياء عن مدرسة الفن للفن ، بدليل الاسم الطويل والغريب الذي أطلقه على اللوحة ، وهو اسم يحمل تحدياً واضحاً لأسلوب التسميات التقليدية ويحاكي في نفس الوقت العناوين " اللونية " للسيمفونيات والمؤلفات الموسيقية التي وضعها مؤلفون موسيقيون ينتمون إلى مدرسة الفن للفن.
في هذه اللوحة نجح ويسلر في تصوير الشخصية القوية لأمه البروتستانتية وهي تجلس بتلك الكيفية الوقورة والمعبرة.
الوجه واليدان والمنديل وتباين ألوان الفستان مع ألوان الستارة ، كل هذه العناصر وغيرها تشي بتنوع وثراء التقنيات الفنية التي وظفها الفنان في رسم هذا العمل.
الجدير بالذكر أن لوحة " أم الفنان " اجتذبت عدداً كبيراً من الفنانين الذني قلدوها ونسجوا على منوالها من حيث الألوان والخلفية وطريقة جلوس السيدة.
وإلى اليوم ما يزال يُنظر إلى اللوحة في الولايات المتحدة باعتبارها رمزاً للأمومة والتعاطف والرفق بالوالدين والقيم العائلية بشكل عام.
اللوحة معروضة في إطار من تصميم الفنان نفسه ، وهي اليوم من ضمن مقتنيات متحف اورساي في باريس.
توفي جيمس ويسلر في العام 1903 م .

[نور]

●●°°●––( الـصــرخــــة )––●°°●●


للفنـان النرويـجي: إدفـارد مونـك









الصرخة هي أشهر أعمال الفنان ادفارد مونك.
وقد اكتسبت هذه اللوحة - رغم بساطتها الظاهرية - شعبية كاسحة خاصة منذ الحرب العالمية الثانية.
ربما يعود سبب شهرة هذه اللوحة إلى شحنة الدراما المكثفة فيها والخوف الوجودي الذي تجسده.
في الجزء الأمامي من اللوحة نرى طريقاً يحفه سياج حديدي ، وعبر الطريق نرى شخصاً يرفع يديه بمحاذاة رأسه بينما تبدو عيناه محدقتين بهلع وفمه يصرخ ، وفي الخلفية يبدو شخصان يعتمران قبعتين وخلفهما منظر طبيعي من التلال.
كتب ادفارد مونك في مذكراته الأدبية شارحاً ظروف رسمه لهذه اللوحة:
"كنت أمشي في الطريق بصحبة صديقين ، وكانت الشمس تميل نحو الغروب ، عندما غمرني شعور بالكآبة. وفجأة تحولت السماء إلى أحمر بلون الدم ، توقفت وأسندت ظهري إلى القضبان الحديدية من فرط إحساسي بالإنهاك والتعب. واصل الصديقان مشيهما ووقفت هناك أرتجف من شدة الخوف الذي لا أدري سببه أو مصدره. وفجأة سمعت صوت صرخة عظيمة تردد صداها طويلاً عبر الطبيعة المجاورة".
عندما يتذكر مؤرخو الفن ادفارد مونك فإنهم يتذكرونه بسبب هذه اللوحة بالذات ، ربما لأنها لا تصوّر حادثة أو منظراً طبيعياً ، وإنما حادثة ذهنية.
الدراما في اللوحة داخلية ، مع أن الموضوع مرتبط بقوة بطبوغرافية أوسلو مدينة الفنان. والمنظر الطبيعي المسائي يتحول إلى إيقاع تجريدي من الخطوط المتموجة ، والخط الحديدي المتجه نحو الداخل يكثف الإحساس بالجو المزعج في اللوحة.
لوحة الصرخة لإدفارد مونك تحولت منذ ظهورها في العام 1893 إلى موضوع لقصائد الشعرء وصرعات المصممين ، رغم أن للفنان لوحات أفضل منها وأقل سوداوية وتشاؤماً

[نور]

●●°°●––( الجـواد ويسـل جاكيـت )––●°°●●


للفنـان البريطانـي: جورج ستبـس








يُعتبر جورج ستبس أشهر من رسم الحصان من الفنانين القدامى والمعاصرين على حدٍّ سواء، وقد رسم هذه اللوحة الضخمة والشهيرة في حوالي العام 1762 بناءً على طلب الماركيز بروكنغهام صاحب الجواد.


هذه اللوحة ما زال تفتن الفنانين ودارسي الفن، ويعتقد بعض النقاد أنها لم تكتمل؛ إذ يُفترض ان ستبس الذي اشتهر أيضاً برسم مناظر طبيعية وبورتريهات لأشخاص كان ينوي ملء الخلفية بمنظر طبيعي وبصورة لجورج الثالث ملك انجلترا في ذلك الوقت .. لكن الخلافات السياسية بين الماركيز والملك فرضت على الفنان أن يترك اللوحة فارغة إلا من صورة الجواد.


في تلك الفترة أنجز ستبس سلسلة من اللوحات لجياد جماعية أو بصحبة كلاب .. لوحة " الجواد ويسل جاكيت " تصوّر حصاناً فخماً ينحدر من أصل عربي وكان بطلاً لا ينازع في سباقات الخيول التي كانت تجري آنذاك. وكما هو واضح ليس في المشهد أشخاص ولا مناظر طبيعية، والفراغ المحيط باللوحة يوجه اهتمام الناظر كلياً إلى الجواد الذي يثب في الهواء ويرمق الناظر بعين كبيرة سوداء ينبعث منها البريق.


ويرى بعض النقاد أن اللوحة هي - بمعنى ما - دراسة رومانتيكية تجسّد الحرية والانعتاق؛ إذ يظهر الجواد وقد تحرر من القيود التي كانت تكبّله في الحياة الواقعية ليمارس انطلاقه في فراغ مجرّد ولا نهائي..


تخصص ستبس في رسم الخيل في حقبة تاريخية كانت فيها الخيول تتمتع بمكانة عظيمة واستثنائية، وكانت الطبقة الأرستقراطية في بريطانيا في ذلك الوقت شغوفة جداً بتربية واقتناء الخيول.
وقد درس الفنان بشكل معمق تشريح جسم الحصان وله دراسة تفصيلية عن الخصائص الجسدية للخيل.
لكنه حرص في هذه اللوحة الرائعة على إظهار الانفعالات الداخلية للحيوان من قبيل توتره الواضح وقوّته الجبارة وروحه الحرة وعزيمته المتوثبة وتلك النظرة المرتعبة التي تنطق بها عيناه.

[نور]

●●°°●––( الـفـــردوس )––●°°●●


للفنـان الأمريكـي المعـاصر: جيفـري بيـدريك







ولد جيفري بيدريك في العام 1960 ولقيت موهبته الفنية اعترافاً مبكراً، أي منذ حوالي منتصف السبعينات.
أنتج الفنان لوحات فنية كثيرة تعالج مواضيع متعددة ومتنوعة، كما أقام معارض عديدة داخل الولايات المتحدة وخارجها، وبيدريك مصنّف ضمن قائمة أشهر ألفي فنان ومصمم في القرن العشرين.
لوحته "الفردوس" هي أشهر أعماله الفنية وأكثرها رواجاً وتداولاً، وهو في اللوحة يجمع بين تأثيرين مختلفين: الأول في أسلوب فنان الفانتازيا الكبير ماكسفيلد باريش، والثاني أسلوب زميله السريالي نك هايد.
فكرة هذه اللوحة استمدها الفنان من الأسطورة الإغريقية القديمة عن حدائق الفردوس التي يذكر هوميروس أن بها ما لا عين رأت ولا أذن سمعت من صنوف المتع والملذات.
وقد تحدث عن حدائق الفردوس الكثير من الفلاسفة والكُتّاب أمثال هوميروس وفرجيل ودانتي وفريديش شيللر، وأطلق الفرنسيون هذا الاسم على أكبر شوارع عاصمتهم.
لوحة الفردوس لجيفري بيدريك حققت رواجاً كبيراً في فترة وجيزة، بسبب فرادة موضوعها وجمال تنسيق العتاصر والألوان فيها على نحو يبعث في النفس الراحة والسكينة.

[نور]

●●°°●––( درس فـي آلـة البانـجو )––●°°●●


للفنـان الأمريكـي: هنـري تانـر







في هذه اللوحة الجميلة؛ تتجلى القوة التعبيرية والانفعال المكثف في أسمى معانيهما، وليس من المستغرب أن تصبح اللوحة مع مرور السنوات أيقونة للفن الأفريقي في العالم وصورة للعاطفة الأبوية والقيم العائلية بشكل عام. لكن الأهم من ذلك أنها أصبحت رمزاً للأمل والإلهام بالنسبة لزعماء الأفارقة الأمريكيين والفنانين الشباب السود.
كان هنري تانر أهم فنان أمريكي أسود في القرن التاسع عشر، كما أنه أول فنان من أصول أفريقية يحقق شهرة عالمية.
ولد في العام 1859 في بنسلفانيا، ودرس الرسم في أكاديمية بنسلفانيا للفنون الجميلة وتتلمذ على يد توماس ايكنز الذي كان له أبلغ الأثر في تعليم تانر واختيار أسلوبه الفني.
وفي عام 1996 أصبحت لوحته " كثبان رملية عند المغيب " أول عمل فني لرسام أسود يُضم إلى المجموعة الفنية الدائمة الخاصة بالبيت الأبيض.
سافر تانر إلى روما ولندن، ثم حل أخيراً في باريس حيث درس لبعض الوقت في أكاديمية جوليان. وفي باريس أنجز لوحته الأشهر "درس بالبانجو" المستوحاة من قصيدة للشاعر بول لورنس دونبار، واللوحة تصور رجلاً مسنّـاً يعلم حفيده كيفية عزف البانجو وهي آلة موسيقية أفريقية صميمة.
في باريس أيضاً رسم تانر لوحته المعروفة "دانييل في عرين الأسد" التي استقبلت بترحاب كبير في أوساط صالون باريس ونال الفنان عليها جائزتين مرموقتين.
عاد الفنان مرة أخرى إلى الولايات المتحدة ومكث هناك بضعة أشهر، لكنه قرر العودة ثانيةً إلى باريس بعد أن اقتنع باستحالة العيش في ظل أجواء التمييز العنصري التي كانت سائدة في أمريكا في ذلك الحين.
وبمجرد عودته إلى فرنسا تزوج من مغنية أوبرا بيضاء من سان فرانسيسكو كان قد التقاها من قبل في باريس. وبسبب ذلك الزواج قرر تانر أن يعيش في فرنسا بشكل دائم.
زار هنري تانر فلسطين مراراً واستمد من أجوائها الروحية مواضيع للعديد من لوحاته الدينية. وتوفي في باريس في عام 1937م.
__________________

[نور]

●●°°●––( الموجـة التـاسعـة )––●°°●●


للفنـان الروسي: ايفـان ايفانوفسكـي








ولد ايفان كونستانتينوفيتش ايفازوفسكي في مدينة فيودوسيا الروسية في العام 1817 ، وفي عام 1833 دخل اكاديمية الفنون الروسية حيث درس فيها رسم المناظر الطبيعية.
تطورت موهبة ايفازوفسكي بسرعة وكان معاصراً لانبثاق عصر النهضة الروسي بعد انتهاء الحرب النابليونية والذي شهد ولادة الكثير من الاسماء اللامعة في ميادين الثقافة والموسيقى والادب ، وفي عام 1838 ارسل الى شبه جزيرة القرم لمدة سنتين حيث رسم هناك لوحات تتناول عناصر الطبيعة.
قضى ايفازوفسكي معظم حياته في فيودوسيا المدينة التي ولد فيها، حيث اهتم بأموره الخاصة ونظم معارض للطلبة الفقراء في اكاديمية الفنون.
اشهر لوحاته هي "الموجة التاسعة" التي انجزها في العام 1850م.
في هذه اللوحة تبدو موهبة الرسام في اجلى صور النضج والتبلور. اللوحة تظهر بحراً هائجاً بعد عاصفة ليلية، فيما ترسل اشعة الشمس خيوطها الاولى لتلمع فوق الامواج الضخمة.
اكبر هذه الامواج، الموجة التاسعة ؛ تبدو وكأنها على وشك ابتلاع البحارة الذين يصارعون من اجل النجاة بأنفسهم فوق السارية الغارقة بعد ان هلك عدد من رفاقهم. البحارة هنا يدركون انهم لن يستطيعوا السباحة للخروج من الخطر المحدق، وانهم يواجهون موتاً محتماً، ومع ذلك يتشبثون بالسارية ويصارعون العناصر من اجل البقاء.
المشهد كله يوحي بشيئين: الاحساس باليأس، ومحاولة التمسك بالحياة.
"الموجة التاسعة" تتألف من تدرجات لونية دافئة، فالبحر لا يبدو شريراَ كثيراً، الامر الذي يدفع الناظر الى الظن الواهم بأن البحارة ربما يتمكنون من النجاة، لكننا نعرف ان هذا شبه مستحيل، وبالرغم من الطبيعة المأساوية للصورة فإن الفنان يبدو معجباً بجمال البحر.
ولا شك ان موهبة ايفازوفسكي في تحكمه بالالوان واجادته لعبة الضوء هي التي تجعل البحر يبدو طبيعياً ومتوهجاً.